“Crímenes y Pecados”, de Woody Allen

Ficha Técnica

Director: Woody Allen

Productores: Robert Greenhut

Actores Principales: Woody Allen, Martin Landau, Mia Farrow, Alan Alda, Anjelica Huston.

Director de Fotografía: Sven Nykvist

Autor de la música original: -

Año de realización: 1989

Análisis de lenguaje cinematográfico

Una vez más me topo con una película cuyas características principales no yacen en su realización cinematográfica sino en la historia y en su orden narrativo. Aún así, se puede destacar en el montaje, la utilización de extractos de otras películas (antiguas ellas) como transiciones entre escenas y secuencias diferentes, que se relacionan perfectamente con que lo que está sucediendo o lo que acaba de suceder en esta película.

A su vez, en lo que a cámara se refiere, podemos decir que se recurre a los travellings horizontales, mientras los personajes al mismo tiempo caminan acercándose, modificando su encuadre desde un plano general a un plano medio, para alejarse de nuevo, lo cual me resulta agradable y útil para dinamizar una escena de conversación.

En lo musical, destaca el característico jazz de las películas de Woody Allen, así como el apropiado uso, aunque obvio, de una obra de Schubert.

Análisis argumental

La idea central de “Crímenes y Pecados” es la moral en las decisiones totalmente explicitada en los diálogos y otra vez en el final, en esa especie de moraleja que da el protagonista. Esta idea se lleva a cabo mediante la narración de dos historias totalmente paralelas que no están relacionadas, en cuanto a los hechos. Esta narrativa es interesante y no es para nada molesto el hecho de que las dos historias estén remotamente relacionadas ya que las transiciones entre ellas lo hacen llevadero y no generan problema alguno; y más interesante es el unir las dos historias en la última escena para que dialoguen los protagonistas de ambas sobre lo que les sucedió en ellas.

Lo positivo del argumento es, como siempre, el humor de Woody Allen, pero también suma a ello la crítica que realiza a través de los personajes de Lester, Cliff y Halley sobre la televisión y su forma de trabajo.

Análisis de estructura

· Secuencia 1: se presenta al filántropo Judah Rosenthal en sus dos facetas: como hombre de familia y como esposo infiel.

· Secuencia 2: presentación de Cliff. Va al cine con su sobrina; después a una fiesta con su mujer donde aparece su cuñado Lester, productor de TV que le hace una oferta de trabajo.

· Secuencia 3: Judah se encuentra con su ex amante para hablar sobre su relación, que él quiere terminar y ella quiere que siga. Se rebela que él no fue honesto con los dineros que maneja.

· Secuencia 4: trabajando para su cuñado, Cliff conoce a Halley, una productora que dice poder ayudarlo a televisar un documental que está haciendo sobre un filósofo.

· Secuencia 5: Cliff visita a su hermana y sobrina. La hermana le cuenta una desagradable experiencia que vivió con un hombre. Se muestra que la relación de Cliff con su mujer no es buena.

· Secuencia 6: Judah habla con su hermano quien le ofrece deshacerse de la mujer que le molesta. Ella sigue presionándolo, él reflexiona en todo lo que le dijeron al respecto; habla con su paciente y amigo Ben (el otro cuñado de Cliff, que es rabino) y tras esto, Judah se decide: llama a su hermano para que lo haga.

· Secuencia 7: se contrastan los dos trabajos que está llevando a cabo Cliff: el de su cuñado y el del filósofo. Cena con Halley y profundiza su relación con ella.

· Secuencia 8: estando en una cena con amigos, Judah recibe un llamado del hermano que le avisa que ya lo habían hecho. Él queda en shock y va a la casa de ella a verla y a recoger elementos que lo puedan incriminar.

· Secuencia 9: cenan Cliff y la esposa con Lester y Halley. Cliff dice a su sobrina que se enamoró de Halley. Se muestra aún más como la relación con su esposa no da para más.

· Secuencia 10: Judah atiende a Ben. Se encuentra con su hermano después. Va a la casa de su infancia y se sumerge en recuerdos, de una conversación de su padre con otros miembros de su familia, donde hablan de la moral. Cuando llega a su oficina le dice su secretaria que lo llamó un detective.

· Secuencia 11: Cliff se entera que el filósofo se suicidó. Halley va a su casa a consolarlo, él la besa, ella se va. El documental que preparaba sobre el filósofo ya no lo puede hacer.

· Secuencia 12: Judah habla con el detective, que lo va a ver a la oficina por haber atendido a la ahora fallecida amante como oftalmólogo. Miente, pero queda afectado por la situación.

· Secuencia 13: Cliff edita el documental de Lester satirizándolo, burlándose de él. Lester lo despide. Halley le dice que se irá a Londres por cuatro meses.

· Secuencia 14: cuatro meses después: es el casamiento de la hija de Ben. Aparece Halley, comprometida con Lester lo que afecta duramente a Cliff, ya separado de su esposa. Hablan Halley y Cliff. Él se queda solo bebiendo hasta que se sienta con él Judah. Él le cuenta su historia como si fuera para el argumento de una película. Todo terminó bien para él y mal para Cliff. Termina con una moraleja y un breve resumen de imágenes de la película.

“The Weather Man”, de Gore Verbinsky

Ficha Técnica

Director: Gore Verbinsky

Productores: Todd Black, Jason Blumenthal, Steve Tisch

Actores Principales: Nicolas Cage, Michael Caine, Hope Davis, Gemmenne de la Peña, Nicholas Hoult.

Director de Fotografía: Phedon Papamichael

Autor de la música original: James Levine

Año de realización: 2005

Análisis de lenguaje cinematográfico

En lo que a lenguaje cinematográfico se refiere, “The Weather Man” no posee demasiado, por no decir nada, que me resulte interesante o destacable, ya que como muchas otras, es una película que busca destacar más por la historia que se narra que por cómo se narra esa historia, no saliendo de lo convencional, tradicional, o de lo más usado.

De este modo, sobresale la bella fotografía que cuenta con paisajes de Chicago, así como las tomas de las aguas congeladas de esta ciudad estadounidense; también en esta misma orientación, destacan las tomas de las flechas clavándose en las dianas quebrando el hielo adherido a ellas. Nada de esto aporta a la historia en sí misma, sino que es un lindo detalle.

Lo que sí aporta y mucho a la historia y a elevar la calidad de este filme es la genial actuación de Michael Caine (lo cual no es sorpresa) en el papel de Robert Spritzel, el padre de David Spritz, el protagonista interpretado por Nicolas Cage, que cumple su trabajo de manera aceptable.

Análisis argumental

La historia gira en torno de David Spritz, quien da las noticias del tiempo en un programa de televisión de Chicago, y que siendo famoso no es valorado por su familia ni por la gente que lo reconoce en su vida cotidiana.

La narración de “The Weather Man” es lineal con algunos flashbacks que complementan la historia, por lo que resulta correcta correcta por su sencillez que la hace transparente, de inmediato entendimiento.

El argumento es sencillo, no del todo original ya que es parecido al de otras películas, pero aún así logra ser interesante mientras dura la película, aunque no mucho más allá; es un simple pasatiempo que no logra impregnarse en los pensamientos del espectador ni por la historia narrada, ni por los personajes de ella.

Análisis de estructura

· Secuencia 1: presentación del protagonista David Spritz y sus circunstancias: expectativas de crecimiento laboral, familia, trabajo, la enfermedad del padre, etc.

· Secuencia 2: David va con su hija a un encuentro de su trabajo y ella se rompe los ligamentos. Habla con su padre sobre ella. Cree que todos los problemas de sus hijos son consecuencia de la mala relación con la madre, con la que están separados. Intenta arreglarlo pero lo arruina.

· Secuencia 3: David practica tiro con arco solo, ya que antes lo hacía con la hija. Intenta que ella retome pero ya no le interesa. Piensa en qué hizo mal; flashback de cuando se separó de la mujer.

· Secuencia 4: lo llaman de un programa nacional para entrevistarlo para un trabajo; viaja a NY con el padre y la hija. Cuando resuelve el problema de la ropa de la hija se entera de los problemas de su hijo con un consejero al que veía y de que al padre le quedan pocos días de vida.

· Secuencia 5: va a la entrevista de trabajo y cree que le fue bien. Cuando vuelve a la casa de su familia a dejar a la hija, se exalta y golpea al novio de su ex mujer.

· Secuencia 6: lo llaman para ofrecerle el trabajo del programa e intenta con eso convencer a su ex mujer de volver, pero le dice que se va a casar con el novio. Todo esto sucede en el “funeral en vivo” de su padre. Además no puede dar su discurso porque se corta la luz.

· Secuencia 7: se venga con el consejero de su hijo y le da su merecido. Mientras tanto aún no les responde a los del programa.

· Secuencia 8: el padre le pide que le explique qué iba a decir en el discurso, y le habla de otros temas, dándole varias enseñanzas de vida. Muere al poco tiempo.

· Secuencia 9: acepta el trabajo y mejora bastante su vida y humor, pero no su familia.

“Elephant”, de Gus Van Sant

Ficha Técnica

Director: Gus Van Sant

Productores: Dany Wolf

Actores Principales: Alex Frost, Eric Deulen, John Robinson, Elias McConnell, Kristen Hicks.

Director de Fotografía: Harris Savides

Autor de la música original: -

Año de realización: 2003

Análisis de lenguaje cinematográfico

En la realización de “Elephant” sobresale el uso constante de la cámara en movimiento, realizando travellings de seguimiento desde atrás las espaldas de los personajes, o circulares en las habitaciones cuando los personajes están quietos. Asimismo, también se usan en gran medida tipos de encuadre largos (es decir, planos generales, enteros, o americanos, con poco uso del primer plano), manteniéndose de este modo la cámara lejos de la acción.

El montaje es lo que hace de “Elephant” una película diferente, al narrar historias paralelas intercaladas, sólo cortadas con placas de los nombres de los personajes, dejando al espectador que reconstruya la línea de tiempo para comprender del todo la historia, al ver la misma acción en dos ocasiones por ejemplo.

Análisis argumental

En la narrativa, se vale principalmente de los flashback y flash forward (o todos flashbacks, depende que se determine como presente de la narración), siendo esto lo que la hace especial, diferente. Las historias paralelas y los tiempos se van mezclando, pero sin dejar confundidos a los espectadores al final de la película, siempre y cuando éste aporte un poco de su intelecto para ello. Por lo tanto, la narración es correcta, y mucho más por su originalidad en el abordaje.

La idea central es los adolescentes con problemas, ya que en su desarrollo va mostrando varios personajes adolescentes en sus actividades en la escuela con sus problemáticas y sus formas de ser, lo que deriva en que dos de ellos lleven una a cabo una masacre aunque digan que es “sólo por diversión”.

De todos modos, la de “Elephant” es una historia que no escapa mucho de lo normal, al abordar una problemática de la sociedad occidental, pero en especial estadounidense, pero se beneficia del cómo está narrada y como está trabajada cinematográficamente, ya que de lo contrario sería una película más, sin nada que destacar más que la crítica o llamada de atención, recuerdo y homenaje que tiene en su historia.

Análisis de estructura

· Secuencia 1: John llega a la escuela manejando él porque el padre está borracho. Llega tarde y lo h hacer ir a la oficina del director que le impone un castigo. Elias saca fotos.

· Secuencia 2: Nathan y Carrie piden permiso para irse de la escuela. Acadia intenta consolar a John y después se va a una reunión. John sale al patio y entran dos chicos vestidos con ropa de camuflaje y con bolsos.

· Secuencia 3: Alex en una clase de química es molestado por compañeros. En el comedor de la escuela tomando notas. Elias trabaja en el revelado de fotos. Michelle es víctima de burlas de sus compañeras, mientras se cambia en el vestuario. Alex en su casa.

· Secuencia 4: Brittany, Jordan y Nicole hablan, ven pasar a Nathan, van a almorzar, y después a vomitar al baño.

· Secuencia 5: Alex toca el piano, Eric al lado juega en la PC. Deja de tocar y busca en Internet para comprar armas. Llegan las armas.

· Secuencia 6: Michelle en la biblioteca. Eric y Alex se bañan juntos, repasan sus planes y salen. John los ve entrar e intenta que la gente no entre en el edificio. Empiezan la masacre en la biblioteca y se extiende por toda la escuela, matando al que se le cruce.

“El Sentido de la Vida”, de Terry Jones

Ficha Técnica

Director: Terry Jones; Terry Gilliam (animaciones y corto)

Productores: John Goldstone

Actores Principales: Graham Chapman, John Cleese, Terry Gilliam, Eric Idle, Terry Jones, Michael Palin.

Director de Fotografía: Peter Hannan; Roger Pratt (corto)

Autor de la música original: John Du Prez

Año de realización: 1983

Análisis de lenguaje cinematográfico

Además de, por supuesto, la genialidad cómica (escribiendo y actuando) de este grupo británico, “El Sentido de la Vida” se vale del montaje para ser aún mejor, aún más graciosa; esto se refleja por ejemplo en el corte en el medio de la película, donde se anuncia que se llegó al medio de la película, o lo mismo en el final. El montaje también juega un importante papel en la segmentación en episodios de la narrativa.

En cuanto a los recursos de cámara, son muy variados a lo largo de todo el filme, pero aún así destacan los encuadres contrapicados que, interesantemente, se utilizan en el nacimiento y la muerte.

Análisis argumental

Si bien lo obvio sería creer que la idea central de “El Sentido de la Vida” es, precisamente, el sentido de la vida no es así, haciendo de esto además un chiste, al hablar muy poco de la cuestión que da nombre a la película. La idea central, al menos desde mi punto de vista, es criticar al hombre de la cultura occidental moderna, que se realiza a través de abordajes satíricos de las diferentes etapas en la vida de un hombre moderno. De este modo se burlan, de la educación, de las costumbres, de la política, la religión, etc. Por esto, aún siendo una película cómica, es un humor muy serio en cuanto al mensaje que transmiten en sus chistes, no es para nada pasatista y goza de una profundidad increíble teniendo en cuenta el humor al que se nos acostumbra en estos tiempos.

La narración es episódica lo cual cuadra muy bien con el abordaje que hacen de la vida en etapas, siendo cada episodio bastante autoconclusivo; y digo bastante porque en ocasiones se involucran uno con otro, siendo lo más notable la “invasión” del corto en la historia principal.

Análisis de estructura

· Secuencia 1: corto de los contadores de la compañía de seguros que se rebelan y se hacen cargo y viajan con el edificio a conquistar las capitales financieras.

· Secuencia 2: “El milagro del nacimiento – 1º parte”; un parto en un hospital.

· Secuencia 3: “2º parte”; un padre católico le explica a sus incontables hijos que los van a someter a experimentos médicos porque ya no los pueden mantener.

· Secuencia 4: “Crecimiento y aprendizaje”; parodia de un colegio católico.

· Secuencia 5: “Peleando unos contra otros”; parodia del ejército en un video de la Segunda Guerra Mundial, pasando luego a parodiar el de la actualidad.

· Secuencia 6: continúa la parodia al ejército, pero ahora del ejército británico en la Primera Guerra Zulu. Se corta con “El Medio de la Película”.

· Secuencia 7: “La edad madura”; turistas en un restaurante donde se sirven conversaciones, enganchando directamente con “Trasplantes de órganos vivos”. Termina al irrumpir el corto del inicio en la película principal.

· Secuencia 8: “Los años otoñales”; un gordo inmenso en un restaurante. Vomita muchas veces de una forma muy desagradable y después come hasta explotar, literalmente.

· Secuencia 9: “El significado de la vida”; un mozo de este restaurante nos conduce hasta el lugar donde nació y explica su filosofía.

· Secuencia 10: “Muerte”; un condenado muerte elige como ser ejecutado.

· Secuencia 11: la Parca va a buscar a tres parejas que estaban cenando y los conduce al cielo, donde están todos los que aparecieron en el filme. Cantan y bailan una canción; le sigue “El Fin de la Película” donde nos enteramos cuál es el sentido de la vida, según los Monty Python

“Entre Copas”, de Alexander Payne

Ficha Técnica

Director: Alexander Payne

Productores: Michael London, George Parra.

Actores Principales: Paul Giamatti, Thomas Haden Church, Virginia Madsen, Sanda Oh.

Director de Fotografía: Phedon Papamichael

Autor de la música original: Rolfe Kent

Año de realización: 2004

Análisis de lenguaje cinematográfico

“Entre Copas” se basa fundamentalmente en la interpretación de los actores, al ser básicamente la narración de una historia, sin grandes efectos especiales, llamativos recursos de montaje u otro elemento que genere interés. Por suerte para el filme, cuenta con un muy buen trabajo de los dos protagonistas, Paul Giamatti y Thomas Haden Church, en dos papeles muy diferentes y muy particulares.

Al ser uno de los protagonistas de “Entre Copas” el paisaje de California, donde se realizan los mejores vinos de Estados Unidos, abundan las tomas panorámicas de este bello paisaje natural. Y, al ser otro protagonista de este filme el vino norteamericano, algún personaje se emborracha y se apela al siempre efectivo para estos casos, y también muy divertido, recurso del fuera de foco y a la “cámara inestable”, es decir a no dejar fijo el encuadre.

Análisis argumental

La historia de “Entre Copas” es bastante sencilla: dos amigos que hacen un viaje por la región de los vinos de Estados Unidos, durante la semana previa al casamiento de uno de ellos. Más allá de la sencillez, logra construir dos personajes interesantes como son Miles y Jack (personificados por Paul Giamatti y Thomas Haden Church), que se ven envueltos en situaciones que resultan divertidas.

La narración es totalmente lineal, lo que resulta perfectamente correcto para una historia como esta, que no precisa de complejidad en la narrativa, ni los espectadores esperan que sea compleja; es una historia simple, narrada de forma simple, pero no por ello mala.

Análisis de estructura

· Secuencia 1: se presenta a los protagonistas Miles y Jack que emprenden un viaje de una semana antes del casamiento de uno de ellos (Jack). Paran en la casa de la madre de Miles y duermen ahí.

· Secuencia 2: empiezan efectivamente su viaje por la región de los vinos de California, haciendo paradas y probando vinos en las diferentes fincas. Paran en un hotel, van a cenar y ven a una de las mozas (Maya), presentando así a otro de los personajes importantes.

· Secuencia 3: hablan los dos en el desayuno, y Jack dice que él la quiere pasar bien, haciendo del viaje una especie de despedida de soltero. Siguen el camino de los vinos, en una de las fincas Jack arregla una cena con la mujer que servía los vinos (Stephanie) y con Maya.

· Secuencia 4: en una de las paradas del recorrido, Jack le dice a Miles que su ex mujer va a ir al casamiento, y que ella se volvió a casar. Miles se enoja, se toma una botella de vino completa, y cuando se calma vuelven al hotel.

· Secuencia 5: la cena de los cuatro, Miles se emborracha, dice sandeces, y después llama a la ex mujer desde un teléfono público del restaurante. Se van los cuatro a la casa de Stephanie.

· Secuencia 6: Jack y Stephanie hacen la suya y desaparecen. Miles y Maya tienen una larga conversación. Cuando se decide a besarla, ella dice que se tiene que ir, y él también se va.

· Secuencia 7: aparece el amigo a la mañana siguiente para decirle a Miles que se va a pasar el día con Stephanie. Vuelve a la tarde y lo vuelve a dejar solo a la noche. Miles intenta pasar la noche solo, pero va a buscar a Maya al restaurante que no está. Se toma una botella de vino y vuelve borracho.

· Secuencia 8: juegan al golf Miles y Jack. Van a buscar a las dos chicas y van a una bodega; pasan el día juntos los cuatro. A la noche van a la casa de Stephanie. Miles se va con Maya a la casa de ella.

· Secuencia 9: estaba pasando el día con Maya y se le escapa que Jack se casa el sábado siguiente. Vuelve a su habitación después de dejarla en su casa. No le dice a su amigo lo que hizo. Van a otra vinatería de menor calidad; cuando vuelven al hotel Stephanie lo está esperando a Jack y le rompe la nariz. Esa noche van a otro restaurante a cenar y Jack se va con la moza.

· Secuencia 10: aparece Jack en el hotel a la madrugada desnudo porque tuvo que escaparse de la casa de la moza porque era casada y llegó el marido. Tienen que volver a la casa de esa mujer porque Jack tenía en la billetera los anillos de bodas. Miles los consigue y escapan.

· Secuencia 11: cuando están volviendo, Jack choca el auto contra un árbol para fingir que eso le causó la rotura de nariz. En el casamiento Miles ve a su ex y decide no ir a la fiesta, prefiriendo tomarse su mejor vino solo. Sigue su vida normal hasta que recibe un mensaje en el contestador de Maya. La va a buscar a la casa.

“Rashomon”, de Akira Kurosawa

Ficha Técnica

Director: Akira Kurosawa

Productores: Minoru Jingo, Masaichi Nagata.

Actores Principales: Toshiro Mifune, Machiko Kyo, Masayuki Mori, Takashi Shimura, Minoru Chiaki, Kichijiro Ueda.

Director de Fotografía: Peter Deming.

Autor de la música original: Fumio Hayasaka

Año de realización: 1951

Análisis de lenguaje cinematográfico

En “Rashomon” todos los recursos de lenguaje cinematográfico parecen estar perfectamente pensados en función del mensaje transmitido, da la sensación de que todo significa; por ejemplo, la utilización de tomas cortas con encuadres diferentes para hacer más dinámica una escena de un hombre caminando por el bosque, y darle suspenso con música que genera tensión. En este mismo sentido, hay un cuidadoso uso de la cámara quieta y la cámara en movimiento; esta última por ejemplo, en las escenas de combate.

Análisis argumental

“Rashomon” narra varias veces un mismo hecho desde la perspectiva de todos los testigos posibles, siendo una misma historia contada repetidas veces con cambios sustanciales. La narración, en este sentido, es correcta, presentando pausadamente cada una de las versiones, bien separadas y distinguidas la una de la otra, dejando además lugar al espectador para que interprete cuál es la verdadera, ya que no se explicita cuál de ellas es. El argumento gana en interés por el hecho de abordar el mismo hecho desde diferentes visiones, ya que en sí mismo no es una historia demasiado interesante. Lo negativo, es que aún siendo versiones muy diferentes, puede resultar bastante repetitivo con el andar de la película.

La idea central de “Rashomon” diría que es la honestidad de hombre, la cual queda perfectamente en claro hacia el final y no por la narración de las historias, sino por la discusión que mantienen los personajes sobre cuál es la verdadera historia y quien no miente.

Análisis de estructura

· Secuencia 1: tres hombres hablan sobra una historia horrible. Uno de ellos cuenta la historia, de cómo encontró a un hombre muerto en el bosque y tuvo que declarar en la policiía. Allí hubo más declaraciones sobre el hecho: un bandido se atribuyó a él la muerte y cuenta la historia de cómo fue y por qué.

· Secuencia 2: A través de uno de los tres hombres del principio se presenta una versión muy diferente de los mismos hechos, desde la perspectiva de la mujer del muerto, en la cual ella se atribuye el asesinato.

· Secuencia 3: se narra otra versión de la misma historia desde la perspectiva de la víctima que habla a través de un médium. Él cuenta que se suicidó pero culpa por ello a la mujer.

· Secuencia 4: el que empezó contando todo, ahora cuenta su versión completa de la historia diciendo que las otras eran mentira. En esta versión, es asesinado por el bandido, pero todo sucede de manera diferente.

· Secuencia 5: debaten los tres hombres sobre cuál es la verdad. Encuentran un bebé en el lugar en el que estaban. Discuten sobre la honestidad del ser humano. El hombre de los tres que escuchó todas las historias, acusa al que contó la última de ser un mentiroso y se va. Este que contó la historia se lleva al bebé, porque el ya tenía hijos y no le iba a ser una carga.

“Zatoichi”, de Takeshi Kitano

Ficha Técnica

Director: Takeshi Kitano

Productores: Masayuki Mori, Tsunehisa Saito

Actores Principales: Takeshi Kitano, Tadanobu Asano, Michiyo Ookusu, Gadarukanaru Taka, Daigoro Tachibana, Yuuko Daike.

Director de Fotografía: Katsumi Yanagishima

Autor de la música original: Keiichi Suzuki

Año de realización: 2003.

Análisis de lenguaje cinematográfico

En “Zatoichi” hay una interesante utilización del flashback, al cual se apela para su uso más común que es narrar hechos sucedidos en un tiempo anterior al tiempo de la narración principal, pero principalmente se lo usa en tomas muy breves que pasan rápido para recordar algún elemento visto antes en la película y que en ese momento reviste importancia que se recuerde, y también se utilizan flashbacks en el inicio del filme para presentar a personajes importantes de la historia.

Resulta interesante también en cuanto a efectos sonoros como sobresale del resto de la banda sonora el sonido de los dados cuando apuestan en ese juego japonés.

La interpretación de Takeshi Kitano, que se desempeña en los roles de actor y director, es excelente, destacándose del resto del grupo de actores en el papel de Zatoichi, el protagonista de la historia.

Análisis argumental

La idea central de “Zatoichi” es la venganza, que está bien expresada pero queda en claro hacia el final de la película porque la narración es muy lenta. Por ello no me parece que la narración sea correcta, ya que recién después de una hora de película se plantea el conflicto de la historia haciendo que se pierda bastante el interés y aburra un poco.

El argumento no me pareció muy poco original, pareciendo desde mi punto de vista, una mezcla de Punisher y Daredevil situada en Japón, lo que significa que mezcla elementos propios de la cinematografía estadounidense con elementos autóctonos de Japón, logrando un producto argumentalmente mediocre, a mi parecer, pero que se ve beneficiado por la realización más original que el argumento.

Sin embargo, más allá de la cuestión de la originalidad, los personajes de esta historia resultan interesantes, logrando seres pintorescos como son una geisha travesti y un samurái ciego infalible.

Análisis de estructura

· Secuencia 1: presentación de los personajes y de la situación en la que vive el pueblo aquejada por grupos mafiosos.

· Secuencia 2: se conocen el samurái ciego y el samurái guardaespaldas y están a punto de cruzar sus espadas.

· Secuencia 3: el ciego apuesta en un juego de azar y gana siempre, un hombre lo sigue en el juego y ganan. Contratan dos geishas, que luego de que fallen en su intento de robarles a los hombres le cuentan su historia.

· Secuencia 4: las dos geishas están con dos de los jefes mafiosos, atacan a uno de ellos y escapan; le hacen trampa en el juego al ciego y empieza a matar a todos los que estaban en el lugar y escapa después con el otro hombre que conoció jugando. Se cruzan en el camino los cuatro y se van a la casa de la tía del hombre.

· Secuencia 5: los mafiosos están preocupados por ellos, hablan sobre el ciego y sobre las geishas a las que buscan. El ciego y la geisha se sumergen en recuerdos.

· Secuencia 6: enfrentamiento de dos grupos mafiosos, en el que el guardaespaldas solo vence a un grupo numeroso.

· Secuencia 7: otro jefe habla sobre el legendario Zatoichi y sobre la posibilidad que este sea el ciego, al que todos conocen como masajista. El hombre le cuenta al ciego la situación del pueblo, y la geisha quiere ir a ver al mafioso del que escapó antes.

· Secuencia 8: las dos geishas van a buscar a este hombre y revelan el paradero del ciego, a quien van a buscar a la casa pero no está ahí e incendian el lugar.

· Secuencia 9: las dos geishas bailan para los mismos dos mafiosos, quienes se dan cuenta de que son las que buscaban; ellas intentan asesinarlos pero les mandan un grupo de gente armada encima. Aparece salvadoramente el ciego, quien se enfrenta a todos, incluido el guardaespaldas y los a vence.

· Secuencia 10: reconstruyen la casa incendiada, todos los bandidos fueron vencidos, y el pueblo está de fiesta. El ciego encuentra al jefe de todos los jefes y lo mata. Termina bizarramente con un baile.

Expreso de medianoche

Hola, les dejo ésta peli para que la miren
Expreso de Medianoche

“El camino de los sueños” (Mulholland Drive), de David Lynch

Ficha Técnica

Director: David Lynch

Productores: Pierre Edelman, Neal Edelstein, Tony Krantz, Michel Polaire, Alain Sarde, Mary Sweeney.

Actores Principales: Naomi Watts, Laura Harring.

Director de Fotografía: Peter Deming.

Autor de la música original: Angelo Badalamenti.

Año de realización: 2001

Análisis de lenguaje cinematográfico

Hasta la última media hora de película, es cinematográficamente tradicional, salvo algunas pocas excepciones (como la secuencia en el bar al inicio donde un hombre le cuenta un sueño a otro y la cámara nunca se queda firme, estando constantemente en movimiento). Esa última media hora hace recordar “Carretera perdida”, bombardeando al espectador al sacudir el piso firme en el que se basaba la historia cambiándola por completo, no sólo desde el punto de vista argumental sino igualmente importante en cuanto a lenguaje cinematográfico: de un montaje que implicaba una narración lineal pasa a ser un montaje de sucesivos flashbacks (y flashbacks de flashbacks); en cuanto a lo fotográfico, el color azul aparece en la mayoría de estas últimas tomas, llamando la atención del espectador; se utiliza además el fuera de foco, en un caso como subjetiva de la protagonista llorando, pero también sin razón aparente.

Lo que es permanente en todo el filme es la utilización de efectos sonoros que resultan perturbadores (y no son fáciles de describir) que deberían dar la pauta de que no se está contando una historia normal y deberían preparar para la resolución de la historia.

Análisis argumental

Si acaso tiene una idea central, no está expresada en absoluto. Lynch deja a la libre interpretación de cada uno el tema de su película, así como el mismo sentido de ella, al igual que con Carretera Perdida. La idea central bien podría ser la culpa; culpa del personaje encarnado por Naomi Watts, que genera el relato de la mayor parte de la película. Pero al mismo tiempo, hay también una subrepticia (o no tanto) crítica a la industria del cine norteamericana.

La narración es perfecta, consigue dejar pensando al espectador; siendo positivo o negativo, depende lo que este busque. La confusión que produce la última parte de “El camino de los sueños” la veo como algo muy positivo instando a continuar pensando en lo que se acaba de ver, y rompiendo con lo que sucede que tras los créditos y un breve comentario ocasional nos olvidamos y continuamos; “El camino de los sueños”, y no es la única con esta propiedad, consigue instalarse en los pensamientos de sus espectadores por un tiempo prolongado.

Análisis de estructura

· Secuencia 1: le apuntan con una pistola a una mujer (Rita) en un auto en la ruta, otro auto la choca y consigue escapar. Duerme en la calle y al salir una mujer de una casa evidenciando que viajaba, se despierta y aprovecha para meterse en la casa.

· Secuencia 2: en un bar, un hombre le cuenta a otro del sueño que había tenido con ese lugar, y ve como se hace efectivo su sueño.

· Secuencia 3: Betty llega a Los Ángeles con dos ancianos. Va a la casa donde se alojará que resulta ser donde se había metido Rita. La encuentran, conversan un poco, pero Rita afirma que debe dormir.

· Secuencia 4: en una reunión de ejecutivos de cine, dos hombres extraños le quieren imponer una actriz al director, que no la quiere, por lo que se enoja y abandona la reunión.

· Secuencia 5: en una oficina hablan dos hombres, hasta que uno asesina al otro de un tiro en la cabeza. Sin querer se le escapa otro tiro y hiere a una mujer, a la que después también mata, así como también termina con la vida del conserje que lo había visto. Hace sonar la alarma y huye resignado.

· Secuencia 6: Betty se da cuenta que Rita no es amiga de su tía (la mujer dueña de casa que se fue de viaje al principio). Rita sufre de amnesia; cuando busca alguna identificación en su cartera, encuentra varios fajos de billetes y una llave azul. Betty intenta hacerle recordar y salen a investigar después de esconder el dinero. Rita se acuerda de un nombre: Diane Selwyn. Una vez que averiguan la dirección, deciden ir a la casa de esta al día siguiente. Una vecina golpea la puerta de la casa y dice que “alguien está en problemas”. La encargada del lugar la calma y le dice a Betty que eso suele pasar.

· Secuencia 7: el director de cine va a su casa y encuentra a su mujer con un hombre en la cama, por lo que se venga inmediatamente con las joyas de ella; el amante lo golpea y lo echa de su propia casa. Se va a un hotel barato, donde el encargado le dice que está en bancarrota. Llama a su secretaria que le confirma esto, y le dice que tiene que ir a ver a “el vaquero”. Este tal “vaquero” le dice amenazadoramente que elija en el casting a la actriz que le imponían en la reunión.

(Nota: las secuencias 6 y 7 están alternadas una con otra, pero creo que son dos secuencias intercaladas y no seis secuencias una a sucesión de la otra.)

· Secuencia 8: Betty ensaya una escena para una audición con Rita. En la audición le va muy bien y una agente que estaba ahí la lleva a ver a un director, que es el mismo de antes. Allí están haciendo un casting donde el director elige a la mina que le dijeron. Betty se va porque había prometido a Rita a la casa de Diane.

· Secuencia 9: llegan en un taxi, Rita ve en un auto a dos hombres de los que debe esconderse porque la están buscando. Finalmente encuentran la casa de esta mujer, donde la encuentran muerta en la cama.

· Secuencia 10: Rita se despierta en medio de la noche diciendo “Silencio” y le pide a Betty que la acompañe a un lugar que se llama, precisamente, Silencio. Emocionada por una canción la rubia abre su cartera buscando un pañuelo y encuentra la caja azul correspondiente con la llave. En la casa, Rita abre la caja con la llave que tenía; la caja cae al piso, y vemos entrar en la habitación a la mujer que se había ido de viaje.

· Secuencia 11: “el vaquero” le dice “hora de despertar” a la mujer que estaba muerta en la casa. Al parecer todo fue un sueño, y quien se levanta es la rubia que conocíamos como Betty pero ahora es Diane. Se despierta porque la vecina le golpeaba la puerta. A partir de acá se suceden varios flashbacks de la relación de Betty y Rita, que ahora se llaman Diane y Camilla. Termina con el suicido de Diane/Betty.

“Requiem for a Dream”, de Darren Aronofski

Ficha Técnica

Director: Darren Aronofski.

Productores: Eric Watson y Palmer West.

Actores Principales: Ellen Burstyn, Jared Leto, Jennifer Connelly, Marlon Wayans.

Director de Fotografía: Matthew Libatique.

Autor de la música original: Clint Mansell.

Año de realización: 2000

Análisis de lenguaje cinematográfico

Los recursos de montaje utilizados en “Requiem for a Dream” es lo que hace que sea una película que sobresale del montón, diferente a la mayoría, logrando la narración de una historia repetida, conocida, de una manera original consiguiendo ser algo muy interesante para ver. Destaca por sobre todo el trabajo en el montaje y hay muchos recursos utilizados; los más usados son: tomas aceleradas, montaje de tomas cortas a rápida velocidad (cuando se drogan particularmente), pantalla divida en dos. Pero hay más que son menos usados pero igual de destacables: efecto cuando “salen” las personas de la tele y aparecen en la casa de la mujer, montaje rápido, hacia el final, cortando de la situación de un personaje al otro, intercalándolas constantemente, a una velocidad creciente y luego decreciente.

Sin dudas es esto lo que resulta más destacable dentro del lenguaje cinematográfico de este filme.

Entre los actores, quien realiza un trabajo sobresaliente es Ellen Burstyn en su papel de Sara Goldfarb, ya que su personaje es quien sufre cambios más radicales al verse involucrada en las drogas sin desearlo realmente, y la actriz logra encarnar perfectamente a Sara y sus alteraciones.

Análisis argumental

La idea central de “Requiem for a Dream” es las drogas y sus consecuencias, y cuando se dice consecuencias, se refiere a todas ellas, desde las más inmediatas hasta las que son a largo plazo, siendo estas las principales donde se destaca la negatividad de lo que puede producir el consumo de drogas en los hombres, que llevan en esta historia a la destrucción de los sueños de cada uno de ellos. Está bien expresada la idea central recurriendo a la crudeza visual y a efectos dramáticos para lograr enviar un mensaje que llegue al espectador.

La narración es correcta porque comienza siendo una historia agradable, por momentos cómica y de esta manera consigue la atención de los espectadores, que luego, con el avance de la narración, se ven envueltos en una dramática historia de cuatro personas tremendamente afectadas por las drogas, sufriendo consecuencias laterales y de largo plazo por su consumo. La película está dividida en tres grandes partes (Verano, Otoño, Invierno) que van reflejando cómo se modifica el tono de la historia con el paso de las estaciones del año, siendo en “verano” una historia agradable y llegar a la crudeza del “invierno”.

Análisis de estructura

· Secuencia 1: presentación de los cuatro personajes principales (Sara, Harry, Marion y Tyrone). a Harold y Tyrone se les ocurre hacer negocios con las drogas que consumían para no tener más problemas en conseguirlas. Marion y Harold (novios) hacen planes para un negocio de ropa de ella. Sara (la madre de Harold), fanática de la televisión, recibe un llamado telefónico en el que le informan que aparecerá en un programa de TV.

· Secuencia 2: la madre empieza una dieta entre otras cosas para prepararse para salir en TV. Harold y Tyrone siguen pensando su negocio y empiezan a concretarlo, mientras que con Marion, empiezan a armar el negocio de la ropa. La madre, mientras sufre la dieta, recibe el correo de la TV y tras completarlo, envía por correo el formulario.

· Secuencia 3: sigue sufriendo la dieta y decide ir a un médico que le habían recomendado, quien le receta pastillas. Harold y Tyrone empiezan a vender las drogas y Marion trabaja en lo de la ropa. Hasta acá todo va muy bien.

· Secuencia 4: Harold visita a su madre y se da cuenta que está tomando drogas, le dice que las deje y ella no le hace caso. Deben gastar el dinero que habían ganado vendiendo en la fianza para salir de la cárcel de Tyrone, y a partir de acá empieza a escasear la droga. La madre comienza a sufrir los efectos colaterales de sus drogas.

· Secuencia 5: visita al médico por lo que le pasaba con las pastillas y no la escuchan en lo más mínimo. A los otros tres les empieza a faltar la droga y discuten Harold y Marion. Finalmente encuentran alguien que tiene pero la vende muy cara. Para conseguirla Marion tiene sexo con su ex psicólogo.

· Secuencia 6: van a comprarla y sale todo mal. Marion desespera y sufre la abstinencia. Harold y Tyrone hablan para ir a buscar a Florida.

· Secuencia 7: Sara sufre alucinaciones. Harold y Marion discuten otra vez por la falta de drogas, ella le echa la culpa de todo a él, por lo cual él le da el número de teléfono de un hombre que vende drogas a cambio de sexo. Las alucinaciones de Sara son cada vez más graves, viendo como salen desde el televisor a su casa la gente de la televisión. Quiere escapar de todo eso y se va de la casa.

· Secuencia 8: Sara va a la oficina de los que la llamaron totalmente demente. Harold y Tyrone viajan a Florida; Harry ve como se le agrava una herida en el brazo. Marion llama al contacto que le dio Harold y lo va a ver. Sara es llevada a un hospital para ser tratada. Harold también a un hospital por la herida del brazo, pero al verlo el médico llama a la policía y los apresan a los dos.

· Secuencia 9: el tratamiento a Sara no funciona y le dan electrochoques. Marion se involucrada en el grupo de gente de aquel hombre y sin poder salirse. Harold y Tyrone están presos, Harry sufriendo por su herida por la cual le deben amputar el brazo. Terminan todos solos, separados; todo mal.